Sobre Mia Wasikowska, Nicole Kidman y “Stoker”.

Poster de “Stoker”

“Cine Arte” ese es el término que primero me viene a la cabeza a la hora de referirme a “Stoker”, película dirigida por el desconocido director surcoreano Chan-Wook Park. Y es que en realidad “Stoker” es una película que a nivel estético sobrepasa con grandes creces cualquier cinta que haya visto en los últimos tiempos.

La película cuenta la historia de India Stoker, interpretada por Mia Wasikowska a quien vimos en el blockbuster de Tim Burton “Alicia, en el país de las maravillas”. En “Stoker”  Wasikowska deja a un lado los hermosos rizos dorados de Alicia y se convierte en una perturbante adolescente que parece una mezcla de los personajes de Wynona Ryder en “Dracula” y “Beetlejuice”. India debe enfrentar el dolor de la muerte de su padre, la tensa relación con su madre, Evelyn (Kidman) mientras Charlie, un extraño familiar de su padre, regresa luego de años de permanecer alejado de la familia.

Hay que reconocer que para Wasikowska hubiese sido muy sencillo tratar de imitar a Wynona Ryder quien exploró el papel de la niña perturbada desde todos los puntos de vista posibles, pero no lo hizo y se apropia de tal forma de su papel que no le cuesta ningún trabajo igualar el nivel de Nicole Kidman, una actriz mucho más experimentada.

Aunque el guión está bien estructurado y los personajes son sólidos de principio a fin, la originalidad de la película es lo que está en cuestión. ¿Cuántas veces hemos visto la historia del sujeto de moralidad ambigua conquistando a una hermosa y confundida adolescente? Pero a pesar de ese punto débil, el aspecto estético de la película, desde el vestuario y el maquillaje, pasando por las escenografías y los exteriores, se manejan de manera magistral, es lo que hace la diferencia, mucho más cuando por momentos logra hacer gala de un humor inteligente y bien hecho, no como esa basura de Scary Movie.

Es difícil encontrar una cinta con tal grado de calidad estética y cuya trama no ponga a dormir a los espectadores, eso sumado a uno que otro buen giro en la historia, hace que ver “Stoker” no sea la peor idea que se nos pueda ocurrir. Igual, de vez en cuando hay que ver algo diferente y esta es una muy buena opción y creo que hasta Bernardo Hoyos y Diana Rico estarán de acuerdo.

Calificación: 4.30/5.00

Leyendo “El Atlas de las Nubes”: La Plegaria de Sonmi-451.

“Leer 6 libros en 2013″, ese había sido uno de los 10 propósitos que había estimado posibles y alcanzables para este año en curso, pero hasta hoy, 12 de Abril de 2013 no había encontrado un libro que realmente me llamara la atención.

No deja de preocuparme el hecho de que los últimos libros que he leído (La saga de “La Canción de Hielo y Fuego”) han sido fuertemente influenciados por sus versiones de televisión o de cine (como el libro del que escribiré hoy)… como quien dice, si no los hubiese visto en cine, no los hubiese leído. No me siento orgulloso de dejarme llevar por las modas a la hora de sentarme a leer, pero me tranquiliza saber que ver “El Atlas de las Nubes” en cine y leerle el libro como tal, son dos experiencia completamente diferentes.

Debo decir que había descargado ”El Atlas de las Nubes” desde el año pasado, precisamente luego de leer artículos que anticipaban la dificultad de traducirlo en una película, pero hasta hoy, luego de semanas de haber visto la cinta me decidí.

Afortunadamente “El Atlas de las Nubes” es un libro que se puede leer de muchas maneras y ya que estaba realmente interesado en leer la parte de mi personaje favorito: Sonmi-451, pude leerla primera, sin afectar mi lectura de las otras secciones.

Esta parte del libro está diseñada en una manera de entrevista, tal y como sucede en la película, donde un archivista (historiador) le pide a Sonmi que relate su verdad, sobre los hechos que la están llevando a su muerte. Esta manera de leer es muy entretenida y rápida, y aunque el relato es extenso, en realidad no se siente tanto, precisamente por esa estructura.

Antes de analizar esta parte del libro, quisiera resumir un poco como se vio en la cinta. (Advertencia, voy a hablar mucha paja de la película y del libro, así que aténgase a las consecuencias si sigue leyendo)

En La Película.

En la cinta, Sonmi-451 es un clon asignada a un restaurante de la cadena de Papa Song, en un futuro distante (año 2144). Los clones (o fabricantes como se les denomina) son creados específicamente para sus labores y sólo consumen algo denominado “jabón”, una vez al día. Los fabricantes no tienen la capacidad de aprender o recordar a largo plazo.

Cuando una de las compañeras de Sonmi empieza a mostrar signos de rebeldía, es donde empieza la trama. Yoona ha estado viendo una película cuyo protagonista (Timothy Cavendish) lucha por liberarse de la opresión en un ancianato en Inglaterra, a principios del siglo XXI, Yoona le muestra esa película a Sonmi, días antes de morir intentado escapar.

Curiosamente la frase más genial de Sonmi, no aparece en esta parte del libro, toca leer las demás para ver.

Luego se revela que los cambios de Yoona, mismos que ha estado experimentando Sonmi, han sido provocados por alguien externo, que luego se revela es Hae-Joo, quien saca a Sonmi del restaurante. Hae-Joo es un rebelde que lucha en contra de la Corpocracia que rige actualmente el mundo conocido.

En esencia el resto de la película muestra a Sonmi y a Hae-Joo intentando escapar de la Corpocracia. Al final Sonmi, luego de aprender por su cuenta, es capaz de emitir sus “Declaraciones” en un ataque orquestado por los rebeldes a la corpocracia, destinado a fallar. Importante anotar que Sonmi y Hae-Joo en realidad se aman y es parte del desenlace de la película ver como estos personajes luego tienen un final feliz, en otro tiempo y con otros nombres.

En El Libro.

La historia de Sonmi-451 se condensa en los capítulos 5 y 7 de “El Atlas de las Nubes” de David Mitchell.

En el libro la historia inicia de manera semejante aunque con ciertos cambios. El visor, o jefe de las fabricantes en el restaurante, además de ser adicto al “jabón” también abusa sexualmente de sus “empleadas”. Yoona jamás vio la película de Timothy Cavendish y su inspiración es en realidad un libro de cuento de hadas. La escena de la muerte de Yoona es mucho más brutal en el libro.

Luego vemos que el proceso para que Sonmi conociera a Hae-Joo es mucho más prolongado. Sonmi es sacada del restaurante por un grupo de personas relacionada con una universidad, donde ella es el conejillo de indias, puesto que es altamente extraño que haya un fabricante con la capacidad de aprender.  Sonmi en realidad es sólo un señuelo de un estudiante perezoso que ya ha comprado su investigación. Pero en sus tiempos libres Sonmi empieza a aprender todo, en un proceso que en el libro toma al menos un año. Uno de los profesores de la universidad se da cuenta que Sonmi ha estado leyendo contenidos de alto perfil y decide inscribirla en la universidad.

Luego de todo esto es que finalmente conoce a Hae-Joo, quien es asignado a Sonmi por el profesor para aumentar su experiencia en el mundo exterior, definitivamente ambos forman algo parecido a la amistad, pero de ahí al romance hay mucho trecho.

Al igual que en la película, en el libro ambos son descubiertos por la Corpocracia y empiezan un viaje de conocimiento de los aspectos más crueles de su mundo, incluyendo los barrios subnormales y el terrible secreto del “Jabon”, claro que en la película todo es resumido, mientras que en el libro todo se lleva a cabo en un viaje de exploración perfectamente diseñado.

En el libro existe un giro sobrecogedor ausente en la película: los rebeldes (“La Unión”) es en realidad obra de la Corpocracia y todo el asunto de Sonmi fue orquestado para mantener a la población controlada, mediante el uso de los medios. (Cualquier parecido con la realidad NO es pura coincidencia). Sonmi se ha dado cuenta de la trampa y decide hacer sus Declaraciones, de manera que en el escándalo mediático todo el mundo las conozca.  Para lograrlo Sonmi se entrega voluntariamente a la Corpocracia quien le da muerte.

Para finalizar.

“La plegaria de Sonmi-451” es una historia tremendamente bien estructurada, al igual que las otras historias de “El Atlas de las Nubes”, puede funcionar perfectamente de manera independiente, pero está vinculada a las otras historias en los elementos simbólicos como son el cometa y el deseo de cambiar el mundo. Impresionante también la cantidad de citas en las que el autor expresa su opinión a través de los personajes. Una historia perfectamente balanceada, entretenida, corta y sobre todo con la capacidad de poner a pensar al lector.

PD: No es mi estilo hacer posts tan largos, pero de verdad con este me emocioné. XD

Las Cadenas de Django Unchained.

¿Por qué es tan fácil sentarse a comparar las películas de Quentin Tarantino unas con otras? La respuesta es sencilla: sus personajes. Desde Reservoir Dog hasta Django Unchained, pasando por supuesto por Pulp Fiction y Kill Bill, los personajes de Tarantino son una mezcla compleja de ambigüedad moral, personalidad vengativa y desdén por el bienestar físico… eso y mucho más.

Django Unchained.

A mi parecer, la carrera de Tarantino se divide en “Antes de Kill Bill” y “Despúes de Kill Bill”. Reservoir Dogs y Pulp Fiction están entre las mejores películas de todos los tiempos en su género, al igual que Kill Bill que vendría siendo la Magnus Opus del director californiano. Pero luego de Kill Bill, Tarantino parece haber perdido parte de su toque, en el sentido en que sí, sus películas siguen siendo superiores al promedio de Hollywood, pero no son las obras maestras, sólidas de principio a fin de los inicios de su carrera y Django Unchained es la prueba de ello.

Los primeros 45-60 minutos de la cinta son clásicos de Tarantino. Excelentes tomas, homenajes a películas de antaño, diálogos inteligentes, personajes memorables. Hasta ahí uno se pregunta si es que en la Academia estaban ciegos para no darle el título de mejor película a esa cinta.

Christoph Waltz, a quien sólo conocía por un papel muy poco memorable en  ”Agua para elefantes”, sin duda se roba el show en esta parte de la cinta, es un personaje perfectamente escrito e igualmente interpretado. Es tan convincente Waltz en su papel del doctor Schultz que uno se olvida por completo de Jamie Foxx, quien interpreta al personaje que le da nombre a la película.

Está bien que Jamie Foxx se haya ganado un Oscar y todo lo que quieran, pero aquí su actuación, si bien no es mala, es completamente opacada por la de Waltz que es brillante, y todos los premios que ganó son más que merecidos.

Django Unchained, como ya lo dije, es una película 1A… hasta que Django toma el rol principal en la cinta. Desde allí todo se empieza a desdibujar y a desbaratar rápidamente. La historia avanza a la fuerza a costa de cualquier coherencia de los personajes.

El punto más brillante de Django Unchained fue la actuación de Christoph Waltz como el doctor Schultz.

Leonardo DiCaprio hace una buena interpretación, pero no termina de convencer y Samuel L. Jackson hace tan bien su papel del ser más despreciable del planeta tierra, que cada vez que sale en pantalla dan ganas de mirar para otro lado. Tarantino nunca ha sido un director que le de ninguna prebenda a sus protagonistas (sólo basta recordar todo lo que sufrió la pobre Beatrix Kiddo y por todas la que pasó), pero también sabía colocarle obstáculos inteligentes a sus personajes, antagonistas y situaciones creíbles. No lo que hizo con los personajes de DiCaprio y Jackson.

Y si ya había problemas, Kerry Washington los termina de empeorar. Realmente conozco poco del trabajo de ella, pero en Django Unchained fue desastroso. Washington en ningún momento genera la simpatía que debería y no contribuye en nada a mejorar el nivel de la cinta. Y sí con todo esto no fuera suficiente, Quentin Tarantino decide tener un rol con parlamento. Fatal.

En resumen, Django Unchained es una cinta que tuvo todo para ser la mejor película del año, pero las fallas de guión, sumados a  las “actuaciones” de Kerry Washington y Quentin Tarantino fueron las cadenas que arruinaron cualquier posibilidad. Mejor suerte para la próxima, Tarantino.

Calificación: 3.95/5.00

Lo que “Argo” le enseñó a Hollywood.

Una película se compone de muchos elementos. Desde la dirección, pasando por el guión, el sonido, la fotografía, la puesta en escena, las actuaciones, el vestuario, las locaciones… etcétera, etcétera, etcétera. Y a menos que estemos hablando de “El Padrino” o “Pulp Fiction” siempre hay uno o varios de estos elementos que no están a la altura de los otros.

Dirigida y protagonizada por Ben Affleck, Argo está basada en hechos reales.

En el caso de “Argo”, película dirigida y protagonizada por Ben Affleck, ganadora del premio Oscar a la Mejor Película, hay un elemento que sobresale del resto y que es en esencia el que la hace merecedora a esa distinción, curiosamente dicho elemento no fue siquiera nominado en dichos premios: la dirección.

Cuando empecé a ver “Argo” debo decir que me pareció una película  Not-Bad, es decir se notó desde el inicio el cuidado por llevar al espectador a esas épocas tumultuosas que fueron los años 70 y 80, pero hasta ahí. La historia era hasta cierto punto predecible y los clichés del héroe gringo que salva al mundo contra todos los pronósticos pronto aparecen en pantalla. Eso sumado a actuaciones regulares, un reparto de desconocidos y un protagonista (Affleck) que por momentos le queda grande el peso de la cinta.

Pero habiendo dicho todo eso, Argo en realidad merece su reconocimiento como Mejor Película ¿Por qué?  Ya lo dije: su dirección. A pesar de un guión cuyo final era evidente y el montón de clichés que casi llegan a los niveles de Armaggedon, la película está excelentemente estructurada. No es una cualidad del guión, es una característica que le imprime el director, los editores y los encargados del sonido.

Poster de “Argo”

“Argo” mantiene un tono narrativo que no se cae en ningún momento, permite que el espectador se identifique con los personajes y con el lugar donde se encuentran. Es así como Affleck nos vende la idea política de la cinta. Estados Unidos fue el culpable del infierno en que se convirtió Irán en aquella época, pero al mismo tiempo hace injustificable que los mismos iraníes tomen la justicia por su cuenta desquitándose con su cuenta. Los buenos y los malos están en ambos bandos, aunque evidentemente la parte que muestra los horrores que causaron los Estados Unidos y sus aliados, es mucho más corta.

Diría que Argo ganó su Oscar por mostrar que aún a pesar de todas las circunstancias adversas, aún hay esperanzas y sobre todo hay gente dispuesta a creer en ella y eso se hace evidente en los últimos minutos de la cinta, donde vemos un espíritu humano conmovedor, donde las buenas acciones no están condicionadas a premios, sino que nacen del corazón de aquellos que quieren ver un mundo diferente, algo que en estos días es muy difícil de conseguir. Si tuvo que emplear los clichés clásicos del cine gringo, es una licencia que el público inteligente estará dispuesto a aceptar por darle un aire menos riguroso y más ligero a la cinta, además de que aseguraba su taquilla para aquella porción del mercado más orientada al entretenimiento.

Los protagonistas reales de la historia junto a Jimmy Carter, el presidente de Estados Unidos en ese entonces.

En resumen, Argo es una película con elementos buenos y una dirección excelente que vale la pena ver y, por supuesto, repetir. Enseñándole a Hollywood que aunque un director sea un niño bonito de la A-List, eso no implica que no tenga algo en el cerebro.

Calificación: 4.75/5.00

 

 

El Curioso Caso de Jack, El Cazagigantes.

Mezclando fantasía medieval con el famoso cuento de hadas, Jack, el cazagigantes (Jack, the giant slayer por su nombre original en inglés) hace una propuesta interesante, pero se queda solamente en eso, en una propuesta.

Jack, el cazagigantes, parece confirmar la regla que en el cine 3D todo es parafernalia, pero de sustancia, nada de nada.

Hay que reconocer los puntos positivos de la cinta. Logra imprimir algo de realismo a un cuento con gigantes y coronas mágicas, con una buen trabajo de vestuario y escenografía. El mundo de Jack, el cazagigantes es un mundo medieval y todos los detalles son cuidados al dedillo, desde la capa del rey, hasta los techos de los castillos. Ni Juego de Tronos se le acerca en este aspecto.

Esta imagen demuestra la fortaleza en escenografía y vestuario de la cinta. Los dos protagonistas (Hoult y Tomlinson) no inspiran nada, pero los dos que siguen (McGregor y McShane) son el punto positivo en actuación.

La historia empieza bien, de hecho logra darle algo de profundidad a los personajes mediante una narrativa interesante. Pero todos esos puntos palidecen, cuando 20 minutos después de iniciada la película la trama de diluye y todo se vuelven chistes y secuencias eternas de acción.

Las actuaciones son bastante deficientes, se salva Ewan McGregor e Ian McShane que logra dimensionar bien sus personajes, pero ni Nicholas Hoult, ni Eleanor Tomlinson, logran imprimir emoción en la pantalla.

Poster de “Jack, el cazagigantes”

Stanley Tucci hace de un villano cuyas motivaciones son medio extrañas, pero eso es una falla del guión, no del actor, pero igual lo he visto en mejores roles. La película es bastante predecible desde el principio y su final no sorprende ni poquito. Al final uno termina contando los minutos que van de la película para hacer una estimación de a que horas se puede estar acabando.

Una cinta que es demasiado infantil para los adultos y demasiado adulta para los niños. Véala bajo su propio riesgo.

Calificación: 2.5/5.0

Los Crood: Una Aventura No Tan Prehistórica.

Emma Stone es Eep, el personaje principal de “Los Crood”

Los Crood (The Croods, por su nombre original en inglés) es una de las películas más extrañas que he visto. Y no digo que es extraña por tener un argumento original, o una estructura innovadora o una calidad visual revolucionaria. NO. Es una película bastante extraña porque tiene la particular dualidad de que todo lo que funciona bien en la película, al mismo tiempo le funciona mal.

Suena extraño decirlo, pero así es. Lo que por momentos parecen ser fortalezas de la película terminan siendo debilidades y viceversa. Para empezar eso de que Los Crood es una “Aventura Prehistórica” no es tan cierto. Diría más bien que es una aventura de fantasía o algo por el estilo, porque si hay algo de cierto allí es que no es en la prehistoria de la tierra.

Hay que reconocer que los creadores de la cinta crearon una fauna muy interesante, mezclando conceptos de animales reales para representar un ecosistema salvaje y a la vez extraño. Pero ninguno de los animales que presenta la cinta existe o existió en la realidad. Al principio de la película ese detalle parece ser innecesario y el espectador se está preguntando ¿había necesidad de hacer animales nuevos? ¿no podían hacerlos con los mamuts y los tigre colmillos de sable y eso?, pero a medida que la cinta avanza vemos que cada uno de estos animales tiene un propósito en la parte final.

La película también tiene una fuerte carga de drama familiar. A pesar de ser cavernícolas, podemos ver una temática muy moderna. ¿Hasta donde son capaces los padres (y por ende cualquier autoridad) de sacrificar la libertad de sus hijos por protegerlos? ¿Qué estamos dispuestos a arriesgar para cambiar la forma en que vivimos? Esas son preguntas que se hace la película y que la salvan de ser otro bodrio más en 3D. Este drama empieza débil y lento y va cobrando fuerza a medida que la cinta avanza.

¿Ven algún patrón? Exacto, es la primera parte de la película la que la hace bastante regular. Está bien que quiera presentar el mundo donde se desarrollan los personajes y cuál es su dinámica, pero diría que podían haberlo hecho un poco más interesante. Los apuntes cómicos también son deficientes en la primera mitad, pero excelentes en la segunda… como en la relación del jefe de la familia con su suegra.

Hay una escena realmente impactante, que incluso podía servir como un final alternativo y personalmente me hubiese gustado, aunque hubiese decepcionado al público infantil, pero hubiese servido para que los padres pudieran explicar a sus malcriados hijos que no todo en la vida es color de rosa, pero en fin… como en todas las películas infantiles el final es bastante predecible y no es ninguna sorpresa. 10 minutos después de iniciar, ya todos sabemos como va a terminar.

Nicolas Cage es Grug. Aunque si usted vive en un país de habla hispana seguramente se la van a doblar y no va a escuchar a Cage.

Pero todo eso no implica que no valga la pena ir a verla, después de todo tiene algo de sustancia y no se queda en los efectos 3D y los chistes flojos. No será la mejor película de su género, pero al menos tiene una pizca del encanto de otras como Up.

Calificación: 3.85/5.00

PD: Si bien las voces originales cuentan con Nicolas Cage, Emma Stone y Ryan Reynolds, si vive en un país de habla hispana seguramente va a escuchar a Eugenio Derbez, o algo peor. Así que ni se ilusionen.

¿Qué Tan Buena Es “El Atlas De Las Nubes”?

“El Atlas de las Nubes” (Cloud Atlas, por su nombre original en inglés) es una de esas películas que demuestra que el cine no sólo sirve para ofrecer entretenimiento puro al espectador, sino que puede también puede servir para medir la capacidad de análisis del espectador, así como retar su propia filosofía de la vida.

Cloud Atlas está basada en la novela homónima de David Mitchell, novela que consta de seis historias que tienen lugar en seis épocas marcadamente diferentes, pero que están íntimamente relacionadas entre sí. De hecho el principal tema del libro y que se traduce a la perfección en la película es que tanto impacto tienen nuestras acciones (buenas o malas) en la vida de otros, en el presente, en el futuro o incluso en el pasado.

La primera historia (A) “El diario de Adam Ewing en el Pacífico”  tiene lugar en 1850 y tiene todas las características de un drama histórico. Adam Ewing (Jim Sturgess)  es un abogado de San Francisco enviado a las islas del Pacífico Sur a finalizar un negocio que involucra el tráfico de esclavos. Ewing acepta el Status Quo de la sociedad esclavista de la que proviene, pero en el momento de conocer a Autua las cosas empiezan a cambiar. Las cosas dan un giro inesperado cuando Ewing entiende que aquellos que él espera sean sus amigos, como el doctor Henry Goose (Tom Hanks) sólo esperan el momento apropiado para destruirlo, mientras que un hombre considerado inferior como Autua, puede ser en realidad un buen amigo.

La segunda historia (B) “Cartas desde Zedelghem” tiene lugar  en 1936, casi 90 años después de la primera, y tiene las característica de un romance trágico (¿recuerdan Brokeback Mountain o Titanic?). Aquí seguimos al joven compositor Robert Frobisher (Ben Wishaw) quien en su ambición de convertirse en en un músico famoso decide ir hasta Zedelghem, el lugar de residencia de Vyvyan Arys (Jim Broadbent), dejando a su amante Rufus Sixsmith en Londres. Frobisher encuentra el Diario de Adam Ewing y este lo inspira a escribir su propia obra, aparte de servir como colaborador de Arys. Cuando Arys exige la obra que ha escrito Frobisher (llamada el Atlas de las Nubes) a cambio de no revelar su homosexualidad ante la sociedad londinense, se genera el conflicto final que llevará a Frobisher y a  Sixsmith a alejarse definitivamente el uno del otro.

Ben Wishaw, Robert Frobisher en “Cartas desde Zedelghem”

La tercera historia (C) “Medias vidas: El primer misterio de Luisa Rey” transcurre en 1973 y es un thriller de suspenso y misterio. La periodista Luisa Rey (Halle Berry) queda encerrad en un ascensor con el científico Rufus Sixmith (sí, el mismo de la historia B), que al confiar plenamente en ella decide contarle un horrible secreto sobre la compañía para la que trabaja. Pero Sixmith no logra contarle nada a Luisa, cuando Bill Smoke (Hugo Weaving) le da de baja. Luisa encuentra las cartas que Frobisher le escribía a Sixsmith, pero no encuentra nada sobre la compañía y decide investigar ella misma. Es aquí cuando Luisa con la ayuda del científico Isaac Sachs (Tom Hanks) y Joe Napier (Keith David) decide enfrentar a la compañía y sus asesinos.

Halle Berry, Luisa Rey en “Medias vidas: El primer misterio de Luisa Rey”

La cuarta historia (D) “El horroroso calvario de Timothy Cavendish” ocurre en 2012, en Londres y es una comedia al mejor estilo inglés (como Notting Hill, sin todo el melodrama). La vida del editor Timothy Cavendish (Jim Broadbent) cambia por completo cuando Dermot Hoggins (Tom Hanks), uno de sus escritores, lanza a uno de sus críticos del balcón de un edificio. Cavendish gasta el dinero de la venta exitosa del libro luego del asesinato y confiado en que Hoggins está en prisión. Pero cuando Hoggins envía a sus asesinos por al menos 50.000 libras se da cuenta que está en problemas. Cavendish decide acudir con su hermano Denholme (Hugh Grant), quien lo recluye en un ancianato dominado por la sádica enfermera Noakes (Hugo Weaving). Luego de leer la historia de Luisa Rey, Cavendish comprende que sólo rectificando sus errores y su visión de los otros podrá recuperar su vida y su libertad.

Jim Broadbent, Timothy Cavendish en “El horroroso calvario de Timothy Cavendish”.

La quinta historia (E) “La plegaria de Sonmi-451″ es la parte de ciencia ficción de la cinta y ocurre más de 100 años después de la historia de Cavendish. Es 2144 y el mundo ha sufrido cambios impresionantes. Sólo quedan 12 estados en la tierra y los humanos han colonizado 4 planetas, estos estados son manejados por corporaciones cuya única preocupación es el consumo y por eso utilizan clones humanos para hacer todas sus tareas, en una especie de esclavitud postmoderna. Sonmi-451(Doona Bae) es una mesera de un restaurante que trabaja 19 horas sin descanso a cambio de una porción de “Jabón” el único alimento que reciben los clones. Una de los clones del lugar Yoona le muestra a Sonmi la película de “El Calvario de Timothy Cavendish” donde exige un tratamiento justo. Yoona es asesinada por rebelde y Sonmi es rescatada por Hae-Joo (Jim Sturgess), un rebelde que quiere poner fin al dominio represor de Neo-Seúl. Es aquí donde Sonmi se entera de las verdades horrorosas que le han sido ocultas toda su vida y convertirse en símbolo de la revolución.

Doona Bae, Sonmi, en “La plegaria de Sonmi-451″

La sexta y última historia (F) “Cruzando a Sloosha y todo lo que siguió después” es una mezcla entre ciencia ficción y fantasía, quizás más fantasía, puesto que tiene un fuerte tufillo a “El Señor de los Anillos”, que tiene lugar en el año 2321, luego de “la caida”.  Zachry (Tom Hanks) es un pastor en la isla de Sloosha, uno de los pocos asentamientos humanos que quedan en la tierra, donde adoran a Sonmi como una diosa. Merovyn (Halle Berry) llega a Sloosha buscando llegar a una montaña que Zachry y los demás habitantes creen poseída por demonios. Para terminar de completar, una tribu canibal también habita la isla y ponen frecuentemente a Zachry en conflicto con sus más oscuros pensamientos, en la forma del Viejo Georgie (Hugo Weaving). Merovyn y Zachry deciden ir a la montaña, donde se encuentra quizás la última oportunidad de los humanos en la tierra para sobrevivir.

Tom Hanks como Zachry, en la que es quizás la mejor escena de la cinta, junto a Hugo Weaving.

El libro sigue las historias en un patrón A1-B1-C1-D1-E1-F-E2-D2-C2-B2-A2, pero en la película la historias se intercalan las unas con las otras, primero en orden cronológico, pero luego sólo siguen un orden dramático donde los mismos temas de libertad, rendención y altruismo se tocan desde diferentes puntos de vista para llegar a una conclusión impactante. No todas las historias tienen un final feliz, pero lo hermoso de esta cinta es que implica que los sacrificios que se hacen en un momento tarde o temprano se retribuyen, quizás en otra vida, quizás en el pasado o en un futuro distante.

La fotografía de la cinta es hermosa, desde las playas de la primera historia, pasando por la comarca inglesa y el San Francisco de los años setenta, el Neo-Seúl y la isla de Sloosha, la dirección es impecable y las actuaciones fenomenales. Quisiera destacar, por supuesto, a Tom Hanks, que en Zachry logra una espectacular actuación con una mezcla de emociones intensa. Halle Berry, magnífica, especialmente en su versión de Luisa Rey, no creo que pudiesen haber encontrado alguien mejor que ella. Jim Sturgess, le imprime encanto y dulzura a sus personajes (Ewing y Hae-Joo). Susan Sarandon, a pesar de tener roles pequeños en cada historia, la saca del estadio cada vez que sale. Doona Bae se apropió de Sonmi de una manera impresionante. Y Hugo Weaving, encarnando a la enfermera Noakes, diría que desde Katy Bates una enfermera no me asustaba tanto, con la adición que no sólo infunde temor sino que también hace reír. Único punto negativo: el maquillaje de algunos actores que en ocasiones puede ser un tanto distractor, pero hasta allí.

Cloud Atlas es una cinta que a pesar de su complejidad, es fácil seguirle el rastro y sobre todo sentirse identificado con alguno de sus personajes a la vez que maravillado por las escenas que no puede calificarse de otra manera que artísticas. Definitivamente es un punto aparte en el cine moderno donde todo se lo dan al espectador masticado en formato 3D. Para verla y repetirla.

Calificación: 4.85/5.00

PD: Aquí les dejo una infografía para entender mejor Cloud Atlas.

El Viaje de Oz, El Poderoso.

“

Poster de “El Mago de Oz”, la película de 1939 que cronológicamente seguiría a “Oz, el poderoso”.

Oz, el poderoso”, ese es el nombre de la película de Disney que sirve como precuela de la serie de libros de L. Frank Baum… y por tanto también del clásico de 1939 protagonizado por Judy Garland, el mismo del de los famosos zapatos de rubí y las mágicas frases que tan hondo han calado en la cultura popular “We’re not in Kansas anymore” y “There’s no place like home“.

A pesar de que Disney ha hecho MUCHO énfasis en que esta NO es una precuela de la película de 1939, sino de los libros, en realidad es muy evidente que Sam Raimi tomó muchísimos elementos de la película dirigida por Victor Fleming y los introdujo en su película.

Para empezar, tanto los créditos como la secuencia inicial están desprovistos de color, al igual que en la cinta de 1939 y al igual que esta, una vez el protagonista entra en la tierra mágica de Oz, cambia a unos colores sumamente vívidos, aunque en la cinta de Raimi, también cambia el formato a uno más ancho.

La historia de esta secuencia inicial es un tanto débil, aunque sirve para definir el carácteraaa de Oz, pero Raimi pudo hacer mucho más en este sentido y particularmente no veo la necesidad de poner nada en Blanco y Negro. Está bien que quiera rendir tributo a la cinta original, pero había muchas otras maneras.

Lo primero que impacta de esta película son los efectos. En la película de 1939, las platas fabulosas de la tierra de Oz no tienen nada de diferente de las decoraciones plásticas que vemos hoy en día en todas partes. Pero por increíble que parezca la representación de la tierra de Oz en la versión 2013 no se ve mucho más real… o sea, si se van a gastar un jurgo de millones en eso, que al menos se vea decente… aunque esto ocurre sólo en la primera mitad de la cinta.

Michelle Williams, como Glinda, la Bruja Buena es lo mejor de “Oz, el poderoso”.

En la segunda mitad, cuando ya empezamos a ver el argumento en movimiento, las coloridas imágenes de la tierra de Oz pasan a segundo plano. La segunda parte de la cinta casi que parece otra película. Mejor en todos los niveles, guión, fotografía, actuaciones… todo. La primer mitad acomoda todos los personajes, pero lo hace de manera forzada y poco fluida. Digamos que es el precio que hay que pagar para llegar a la segunda parte, pero me parece un poco extraño que no hayan pensado en mejores ideas. Es decir en “El Mago de Oz”, Dorothy conoce a todos sus acompañantes de manera natural, en cambio en “Oz, el poderoso”, todo pasa muy rápida y se siente muy apresurado.

Pero en fin, el final es mucho mejor, combina mucha acción, drama y buenos momentos dándole una buena conclusión.

Poster de “Oz, el poderoso”

Para destacar, la actuación de Michelle Williams. Williams representa una Glinda mucho más aterrizada y sensata, además de coherente, que la de Billie Burke, que por momentos es pedante y cínica. Rachel Weisz, normal, es una muy buena actriz, pero digamos que la hizo bien pero Michelle Williams lo hizo mejor y Mila Kunis… pues la verdad con ella nunca se sabe, es que sus actuaciones son tan similares que es difícil emitir un juicio, pero digamos que sí, no lo hace mal dentro del contexto de la película.

¿Y James Franco? Bueno, pues la verdad, dejó que desear. Franco en realidad no lo hizo tan mal, pero en el contexto de la película, el nombre de Johnny Depp se le cruza a uno varias veces por la cabeza ¿Que habría propuesto Johnny Depp para este personaje? El problema de los actores como Franco y Kunis es que si bien están conectados con sus personajes, en realidad no proponen nada del otro mundo y quedan como muy normales a la hora de hacer cuentas.

“Oz, el poderoso” es una película con puntos fuertes y débiles, ya es decisión de cada espectador, cuál pesa más. Definitivamente recomendada.

 

Calificación: 3.95/5.00

Horror Inteligente en “Mama”

Crítica de la película Mama sin spoilers.

“Mama”

Dentro del género del horror es muy difícil encontrar algo realmente nuevo o sorprendente, pero en el caso de Mama, es justo decir que se encuentra una excepción a la regla.

Mama combina elementos de la clásica película de horror americana, es decir familias enfrentándose a elementos sobrenaturales en entornos suburbanos, como en otras mil millones de películas más de ese tipo. Pero también es notable la influencia de las cintas japonesas clásicas como “El Aro”, más en la forma de plantear el agente sobrenatural que en cualquier otra cosa. Pero lo que convierte a esta cinta en algo realmente ingenioso es su parecido con otras películas de su productor: Guillermo del Toro.

En efecto, Mama tiene el toque de Guillermo del Toro, y es aún más notable esta influencia en el acto final de la cinta, dónde fácilmente se podría lograr un final cliché. La conclusión de Mama es de esos finales inteligentes, muy al estilo de El Laberinto del Fauno, cinta por la que Del Toro logró reconocimiento mundial.

¿Quiere decir que lo único bueno de Mama es el final? No, aunque evidentemente el toque del director  español no es tan notable en los actos iniciales, lo cierto es que Jessica Chastain compensa cualquier falla que haya existido en el guión, en la fotografía o en la actuación de sus compañeros de escena.

Los cuatro personajes principales de Mama, Chastain is increible en su actuación, pero Coster-Waldau no da la talla.

Es la primera vez que veo a Chastain en una cinta, y ahora entiendo todos los buenos comentarios sobre su trabajo. Chastain se apropia de Annabel de una manera estelar y le da corazón a un personaje que de otra manera hubiese resultado egoísta y pedante.

¿Puntos débiles de Mama? Pues me duele decirlo pero Nikolaj Coster-Waldau no da la talla, su actuación es muy regular y casi que hace las mismas muecas y los mismos movimientos que su personaje en Game of Thrones.  Lo hacen mejor las dos niñas que participan en la cinta, sobre todo la más pequeña que es adorable. Un buen actor se sobrepone a las debilidades del guión y Chastain lo logró, pero Coster-Waldau no.

Para finalizar, Mama es una película interesante, más dista mucho de ser la mejor cinta de horror de los últimos tiempos, aunque es refrescante ver nuevos enfoques en este género.  Está recomendada para públicos que no consideren la saga de “El Juego del Miedo (Saw)” como la quintaesencia del terror, pero que hayan disfrutado del horror japonés (original) o el trabajo de Guillermo del Toro.

Calificación: 4.1/5.0

PD. Mama está basado en un cortometraje de 3 minutos escrito y dirigido por Andy Muschietti, el mismo directo de la película. Aquí se los dejo para que lo disfruten.

Duro De Matar 5, Demasiado Duro Quizás.

Poster de Duro de Matar 5.

Habiendo visto 4 de las 5 entregas de “Duro de Matar” (Die Hard, por su nombre original en inglés) dicha sea la verdad, esta última versión titulada “Duro de Matar: Un Buen Día Para Morir” (A Good Day To Die Hard) es la más extraña de todas.

Empezando por los créditos de la cinta, en la mitad del acto introductorio, parecían los primeros minutos de una serie de televisión y no de un blockbuster. Pero es lo de menos. A pesar de tener una historia que mezcla historia y política rusa  y una ambientación excelente en Moscú, 15 minutos después de que la película inicia ya el director ya ha destruido la credibilidad de la misma.

Si bien las cintas de acción no son la mata de la veracidad, A Good Day To Die Hard se pasa y hasta haría ver a las películas de Arnold Schwarzenegger y Jason Statham como documentales científicos. Si hay una cinta con la cuál es posible compararla sería con Mentiras Verdaderas y sería Die Hard la que parecería una parodia.

A diferencia de la cuarta entrega de la saga, en la que el personaje de John McClane se introduce en la trama de manera natural y casi orgánica, en esta llega a la historia de manera absurda y hasta ridícula. Las escenas de acción se reducen a persecuciones donde el daño a la propiedad ajena está a la orden del día. Puntos a favor, aparece Lucy McClane (Mary Elizabeth Winstead), quien tuvo un rol muy destacado en la cinta anterior y le da algo de continuidad a la saga. Otro punto a favor, Jai Courtney en su primer rol en un blockbuster lo hace bastante decente, y tiene madera para las cintas de acción, aunque en esta Willis no lo dejó brillar de a mucho.

Ese es otro asunto, el personaje de Bruce Willis no tiene desarrollo alguno y mantiene una caracterización plana, que a pesar de querer ser gracioso no logra serlo. Fue más gracioso el trailer de “The Heat” que cualquiera de las frases de Willis como McClane.

Y el twist “sorpresivo” de la película, a diferencia de las otras donde al menos tenía lógica, en este caso lo que hace es retorcer el argumento y destruirlo completamente, y eso que ya era bastante malo para empezar.

Es una verdadera lástima que teniendo un potencial tan grande, esta cinta no pase de ser otra película sin sustancia que es posible que algunos encuentren divertida, pero que al fin y al cabo es la peor de la saga de Duro de Matar.

Calificación 2.6/5.0